Gedanken · 15. Juni 2026
Die Kunst des Übens — Mehr als nur Wiederholung
Sieben bis acht Wiederholungen, nicht die Dauer. Was die medizinische Rehabilitationsforschung und David Oistrachs Übeschema gemeinsam haben.
„Es gibt einen Unterschied zwischen Geige spielen und Geige üben.“ Dieser Satz mag banal klingen, doch er enthält eine der wichtigsten Erkenntnisse für jeden Musiker. Wer sein Instrument nur spielt, ohne bewusst zu üben, wird auf lange Sicht keine Fortschritte machen.
Der Geiger David Oistrach strukturierte seine Übung nach einem einfachen, aber wirksamen Muster: vier langsame, zwei mittelschnelle und eine schnelle Wiederholung. Dieses Schema beruht auf einer tiefen Einsicht in die Funktionsweise unseres Gehirns. Die Forschung, insbesondere aus der medizinischen Rehabilitation, zeigt, dass die Anzahl der Wiederholungen, nicht die Dauer des Übens, entscheidend für effektives Lernen ist. Der höchste Lerneffekt wird mit sieben bis acht Wiederholungen derselben Bewegung erzielt — genau das, was Oistrach praktizierte.
Wenn wir ein neues Stück lernen, muss unser Gehirn in einen Zustand der Neuroplastizität eintreten. Das Kurzzeitgedächtnis beruht auf einem vorübergehenden Anstieg chemischer Aktivität, der synaptische Verbindungen verbessert; diese Art des Lernens eignet sich nicht für neue Stücke, ist aber unerlässlich für das Aufwärmen vor dem Konzert. Die zweite Art besteht darin, eine Verbindung zu etwas herzustellen, das man bereits gelernt hat.
Die Abschnitte, die wir wiederholen, sollten nicht zu lang sein. Ähnlich wie beim Auswendiglernen eines Shakespeare-Sonetts lernen wir in kleinen Häppchen. Anfangs sollten die Abschnitte nicht länger als zwanzig Sekunden sein, wobei die Länge allmählich zunimmt. Am Tag vor einem Konzert wiederholen wir das gesamte Stück sieben Mal.
Um den Lernprozess zu beschleunigen, können wir das Üben anspruchsvoller gestalten als die eigentliche Aufführung. Dieses Konzept stammt aus der Rehabilitation, wo Patienten, die das Gehen auf einem Laufband lernen, schneller Fortschritte machen, wenn ihren Füßen Gewichte hinzugefügt werden. Wir wenden es an, indem wir während der ersten vier langsamen Wiederholungen beide Hände intensivieren: In der linken tippen wir fest mit den Fingern auf das Griffbrett, sodass ein hörbares Klopfen entsteht; beim Wechsel zu einem niedrigeren Finger verwenden wir ein Pizzicato der linken Hand. Das schafft ein mentales Bild davon, das Stück mit jedem Klopfen in unser Gedächtnis zu meißeln.
Die rechte Hand unterstützt dies, indem wir jede Note in drei Teile unterteilen: Kopf, Körper und Füße. Der Kopf ist der Angriff der Note, der akzentuiert oder weich sein kann. Der Körper ist ihre Entwicklung, definiert durch Dynamik, Vibrato und Klangfarbe. Die Füße sind das leichte Bewegen des Bogens zwischen den Noten, ohne Klang zu erzeugen.
Sobald ein Stück ein zufriedenstellendes Niveau erreicht hat, wechseln wir vom Lernen zum Reparieren. Das Wiederholen bereits funktionierender Passagen ist ineffizient. Stattdessen identifizieren wir problematische Abschnitte durch Aufnahmen und üben sie separat. Intonationsprobleme entstehen oft aus dem Übergang zwischen Noten. In schnellen Passagen beginnen wir vom Ende und arbeiten uns rückwärts, wobei wir jeweils eine Note hinzufügen.
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